Céramique d'Art : Le Japon

Bouteille rectangulaire, Showa période (1926-89), ca. 1960 Shoji Hamada (1894-1978)
Produit en Mashiko, Préfecture de Tochigi Grès de fer sous la décoration; H. 8 po (20,3 cm)
Fonds et Richard Rogers et Peggy Anonyme Cadeaux et Danziger, 1994 (1994,289)

Shoji Hamada (1894-1978) fut l'un des plus influents et internationalement connu folk-art (mingei) céramistes du XXe siècle. Un fondateur et vulgarisateur du mouvement mingei, Hamada voyagé, ont donné des conférences, et expose son travail dans le monde tout au long de sa vie. Il a fondé la Japan Art Association Folklorique (Nihon Mingei Kyokai), avec le philosophe Yanagi Soetsu (1889-1961) et son ami et collègue potier Kawai Kanjiro (1890-1966). Le mouvement mingei s'exprimaient contre la perte de contact humain et de l'esprit impulsant à la main des objets utilitaires en raison du déplacement des artisans traditionnels de la révolution industrielle.
Tôt dans sa carrière, Hamada développe une amitié avec le potier britannique Bernard Leach (1887-1979), et en 1920 ils ont construit un four japonais (noborigama) à Saint Ives en Cornouailles. Au cours de trois ans en Angleterre, Hamada étudie le début des modèles de la céramique anglaise dans la collection du British Museum. Il a voyagé en France, en Italie, en Crète, et en Égypte, avant de retourner au Japon en 1924. Hamada créé un studio de céramique dans la ville rurale de Mashiko dans la préfecture de Tochigi, où il se consacre à la production simple, et fonctionnelle de la céramique qui avait ranimé au Japon leur esthétique locale. L'artiste a également travaillé à Tsuboya, un centre de céramique à Naha, Okinawa, en 1925. Au cours de 1936-37, Hamada, avec Yanagi Soetsu et Kawai Kanjiro, a voyagé à travers les collections de céramiques d'art folk coréen et autres objets pour réaliser une exposition dans le Musée des arts populaires au Japon.
En 1955, Hamada a été désigné comme "Trésor National Vivant" par le gouvernement japonais pour son style folk-art céramique. Un centre florissant de céramique Hamada a grandi autour du studio à Mashiko, et il continue à se développer aujourd'hui.
La bouteille rectangulaire Hamada au Metropolitan Museum a été produite à l'apogée de sa carrière. Il témoigne de l'habileté et de la confiance de l'artisan de faire de la décoration, la seconde nature de sa céramique. L'orchidée abstraite a été brossée rapidement et intuitivement au glacis l'oxyde de fer (tenmoku) à travers le vitrage de cendre jaune des panneaux latéraux. À l'opposé de l'ambre pâle du corps, les épaules sont plates, étroites, carrées et le cou est couvert de vernis brun foncé. En utilisant une palette limitée de cendres et de glacis d'oxyde de fer, l'artiste a réalisé un riche terroir que complété la lourde bouteille en grès. Cette rigueur, de forme rectangulaire a été enfoncée dans un moule avant la cuisson dans un four multichambre. Hamada anime le résultat stable et reproductible grâce à sa forme de pinceau et l'audace de son improvisation.

Vase bleu avec glaçure graduée en nuances, période Heisei (1989-présent), Zenji Miyashita (1939)
Grès avec des émaux bleus; H. 14 1 / 2 po (36,8 cm), W. 11 1 / 2 po (29,2 cm), D. 5 1 / 2 po (14 cm)
Achat, Barbara et William Karatz Don, 2001 (2001,732)

Zenji Miyashita a grandi assisté de son père, Miyashita Zenju (1901-1968), avec la production de la porcelaine céramique. Il a finalement trouvé sa propre approche de l'argile, exploré son potentiel pour créer des sculptures qui comptent parmi les modèles les plus innovants en matière de céramiques japonaises aujourd'hui.
La conception contemporaine de ce vase est en fait très simple. En fonction de la perspective à partir de laquelle le modèle est considéré, sa silhouette est soit angulaire ou curviligne. Le schéma de la surface se lit alternativement comme un océan qui recule, enfle ou de chaînes de montagnes ascendantes. La forme est symétrique, tandis que la surface est assymétrique. La tension entre les parois courbes et les surfaces rabotées semble éclatées en ondes ridées qui se propagent à la surface et se répercutent à travers la structure.
L'opposition des formes géométriques et biomorphiques ont un résultat intégré, tout en harmonie. Miyashita travaille dans le saidei ou "couleur-technique», une laborieuse application de la méthode de chevauchement des bandes irrégulières teintées bleu argile, graduée en nuances de haut en bas. Il intègre le cobalt, chrome, et d'autres pigments métalliques dans l'argile, ce qui permet de pénétrer le bleu plutôt que de reposer sur le dessus de la surface. Ce vase sculptural est à la fois un objet esthétique et fonctionnel.

Jarre à eau (mizusashi), la période Heisei (1989-présent), Takuo Nakamura (1945)
Grès incrusté d'or et d'argent; couvercle de bois laqué, H. 5 po (12,7 cm), W. 9 3 / 4 po (24,8 cm), D. 8 1 / 4 po (20,9 cm)
Achat, Barbara et William Karatz Don, 2001 (2001.735a, b)

Les jarres d'eau, comme ce mizusashi, jouent un rôle pivot esthétique pendant les cérémonies du thé, car ils sont les premiers et les derniers modèles à être mis en salons de thé. Conscient de l'importance que l'eau des pots ont longtemps eu lieu dans le cadre solennel des chanoyu, littéralement «eau chaude pour le thé», Takuo Nakamura produit des modèles traditionnels qui donne une nouvelle vitalité.
À l'instar de la période Momoyama (1573-1615) précédente, cette jarre à eau présente un bocal organique, de forme visible, mais qui a été moulé librement en une forme rectangulaire non conventionnelle. Nakamura juxtapose de façon transparente les parois texturées, d'argile glacé incrusté d'or et d'argent et revient sur la vogue des modes brillantes peintes au dix-septième et dix-huitième siècle « Rinpa artistes ». Le couvercle auburn laqué introduit un autre élément remarquable de contraste. D'une décoration sculptural ou encore picturale, mais fonctionnelle, cette jarre d'eau continue dans la tradition même si elle rompt avec elle.

"Ecouter les vagues" vase, période Heisei (1989-présent), 2004 Sakiyama Takayuki (1958)
Sable de grès; H. 15 3 / 4 po (40 cm), W. 13 1 / 2 po (34,3 cm), D. de 15 pouces (38,1 cm)
Artist's Mark Don de Mary Griggs Burke, 2004 (2004,201)

Intitulée "A l'écoute des vagues", cette céramique contemporaine sculptée par Takayuki potier Sakiyama donne expression à la sensation de son et du mouvement de l'eau. Sakiyama atteint cet effet, en conjuguant l'argile, avec un double pliage sur elle-même pour former un vase dynamique qui semble faire écho au pliage des vagues et des marées. Les vagues tourbillonnent à travers l'extérieur, balayant sur la jante à l'intérieur afin de créer une forme organique entièrement intégrée. Une « Moss-glaçure » colorée comble les rainures, laissant des traces de sable sur la surface du modèle. Cet effet rappelle les vagues de sable ratissé de kare sansui jardins zen, comme le seizième siècle Ryoanji, à Kyoto, qui véhiculent l'étendue des océans, et, finalement, l'univers tout entier.

Itsue ITO Japon Sculpture céramique

Elle a créé un studio à Miyazaki, au Japon, en 1988, où elle a fait de la dalle et de la bobine de construction la thématique de sa sculpture abstraite. Ses oeuvres sont inspirées par des souvenirs d'enfance de la couleur bleu-vert (en japonais «AO») du paysage de Miyazaki et de la maison de son enfance, symbole 'abri'. Les sous glaçures et les bordereaux de surface sont utilisés pour la décoration et les œuvres sont cuites à plusieurs reprises.

Jun Kaneko Japon sculpteur américain

Né et élevé au Japon, Jun Kaneko déménagé aux États-Unis pour étudier la céramique. N'étant pas en mesure de parler la langue, il a été obligé de se concentrer uniquement sur le visuel. Sa peinture historique est évidente dans son travail, ses céramiques monolithiques "dangos" (le mot japonais pour la boulette) devenu en trois dimensions, gonflent la toile. Travaillant surtout avec un graphisme, encore pictural, de lignes et de points, ses conceptions rythmiques sont analogues avec le shintoïsme japonais concept de "ma", qui se traduit grosso modo «l'attachement à travers l'espace». La construction de pièces pèsent plus de 500kg, Kaneko de formes simplifiées est le résultat du contrôle de la matière qui fait que les morceaux semblent avoir été fait sans effort. Son aptitude technique vient d'années de patience et d'une compréhension du tempérament de la matière. Après la construction, son travail prend généralement quatre mois de temps de séchage et une cuisson de 35 jours. Au dernier stade de la production, sur un groupe de 10 éléments, seuls deux ou trois effectivement survivent.