Céramique d'Art : L'Europe centrale

Johnny Rolf and Jan De Rooden Céramistes hollandais

« Lorsque nous nous sommes rencontrés à l'automne 1956 et avons découvert que nous voulions devenir des potiers, nous n'aurions pas pu avoir une idée plus inouie, qu'un jour notre studio aurait une fenêtre sur le monde.
Dans un tout petit espace sans lumière du jour, la cave, nous avons installé un tour et un petit four électrique, apporté de la terre et des matériaux de glaçure et là nous nous sommes trouvés dans notre premier atelier. Il y avait juste assez de place pour une personne à la fois pour travailler avec de l'argile, mais il offrait suffisamment d'espace pour recevoir l'encouragement de l'autre. Dès le début, nous nous sommes félicités de ce que nos mains produisaient. Sur quelle base nos inspirations naissaient, nous ne le comprîmes que plus tard.
Alors que nos mains devenaient plus sûres, que notre studio grandissait, notre artisanat devenait art, et nos pots devenaient des céramiques jusqu'à ce que chacun puisse développer un talent particulier. Après Johnny a acheté le papier et le matériel requis, en premier lieu, puis les dessins et les gravures monotypes et gouaches ont commencé à peupler notre atelier. Jan est devenu bon pour composer et préparer l'argile, pour adapter le four, et développer des méthodes de cuissons particulières et de commencer à communiquer avec les gens.
Depuis que nous avions décidé de faire notre vie ensemble, nous avons souvent fait des voyages de longue durée et, parfois, nous avons travaillé à l'étranger. A la campagne nous avons construit un deuxième studio avec un four à sel et joui des légumes cultivés sur nos terres. Mais Amsterdam est resté toujours notre base. Pendant de nombreuses années, notre studio était sur le canal du Kloveniersburgwal dans le centre de la vieille ville. Hélas, en 1960, le calme de l'île est devenu chaotique. Maintenant, nous nous trouvons dans un environnement calme, une maison située le long d' un large trottoir dans une rue du centre d'Amsterdam. Un petit jardin ajoute beaucoup de couleur à nos journées de travail, et, nous l'espérons, à notre travail ».

Gundi Dietz Céramiste Autrichienne

« Mes compétences techniques et ma préférence vont pour les pièces en porcelaine, avec laquelle elle crée son unique modèle - debout, couchée ou assise. Son travail tourne autour de la figure féminine dans sa forme la plus naturelle - nus ou à demi nus - mais jamais séduisante, plutôt naturelle et drôle.
La spirituelle Zillie est modèle. Un discours sur la beauté et les malentendus de la vie. J'ai eu la vision d'une simple forme sculpturale. Forte et énergique. Elle regardait ses pensées à travers ses doigts. Alors que lors de sa construction, ma vision s'intensifiait, l'image dans l'esprit du regard prenait forme.
Provenant de la variété de mes idées, la sculpture a été réduite à sa plus simple expression. Cette réduction de la forme, du mouvement et de la couleur est au cœur de mon travail. Zillie est à divers stades de la transition, de l'épilation et de l'excrétion de peau, le lissage, des larmoiements, tout devient central. Elle m'a montré où elle voulait aller.
Au cours de ce processus de développement, la sensibilité peaufine l'intérieur de l'image. Le matériau est séduisant et les problèmes techniques menacent. Je dois y aller dans un état concentré et méditatif et cesser mes visions de folie. Après le combat intérieur, je suis d'accord avec ma création, que j'ai portée à la vie par divers procédés. Maintenant, je peux être surprise par ces êtres immortels qui nous émeuvent. Voilà un merveilleux processus.
Le studio est comme une scène de crime. Encore et encore, je suis attirée là-bas, à droite dans le travail. Ajoutez à cela le rythme naturel, dicté par la nature de la vie, la respiration matériel - porcelaine. Je ne peux pas laisser le travail assis là, une fois commencé. Voici un concentré d'énergie qui doit être menée à son terme.
Avec Zillie, ce processus prend plusieurs semaines. C'était une époque passionnante et heureuse. Zillie a été un succès instantané. Elle est malléable, elle est adaptée à mes besoins. C'est toujours un défi de trouver le juste équilibre entre le sensible et la force, la lumière et l'obscurité, douce et dure, lisse ou rugueuse. Une petite incision glisser tout en une ligne, et le solde peut être perdu.
Elle est comme une âme à la carte, vous pouvez lire, mais laisser beaucoup à l'imagination. Elle est authentique. Je l'adore ».

Regina Heinz Autriche Austrian-British sculptor

Regina Heinz initialement formé en tant que peintre à l'académie des beaux-arts de Vienne, a ensuite étudié à l'Ecole d'arts appliqués de Genève de 1988-89 et à la London Guildhall University de 1989-93. Regina fait de la sculpture abstraite, des reliefs muraux et décorés avec des émaux de couleur *, des oxydes. Elle cite comme son inspiration les paysages montagneux de son pays d'origine, l'Autriche.
Exploration de la malléabilité de l'argile mouillée, Regina a mis au point une technique de construction particulière de dalles amovibles pour créer des sculptures en céramique et des pièces murales.
Les dalles sont déployées, puis «sur mesure»: rejointes, poussées, pliées, étirées et incisées jusqu'à ce que la pièce ait pris sur elle la forme finale et l'expression, mais le matériel a conservé son originale douceur et la texture de la surface. Cette technique est primordiale pour les travaux de Regina et de sa spontanéité et le contrôle exige que les douces dalles réagissent à chaque contact et enregistrent chaque empreinte de la main.
Initialement formé en arts plastiques, la peinture joue encore un rôle important dans le processus de création. De vibrantes couleurs primaires sont appliquées sur une base neutre de gris et des blancs pour améliorer la forme sous-jacente. Un glacis de lithium, les oxydes et les taches sont brossés en couches minces sur plusieurs cuissons et ajoutent la profondeur et l'intensité de la couleur de surface.
Regina prend son inspiration dans les paysages et les détails de surface pour créer des morceaux qui sont abstraits, mais l'affichage d'une qualité organique et sensuelle, qui rappelle le corps vallonné du "paysage". Géométrie, schémas de réseau et de redoublement sont utilisés comme point de départ et combinés avec des courbes organiques, ramollies et transformées par la qualité de l'argile tactile. Les formes communiquées, volume et espace intérieur ont une présence physique puissante, légèrement distendue, contenant et contenu. Ils sont le tendre résumé du corps et de l'esprit.

Aline Favre Suisse

«Dans mon travail, j'aime bien créer des boîtes de dialogue. Blanches, pures et délicates porcelaines qui sont confrontées à d'autres matériaux comme les matières premières et les grès noirs, très chamottés. Leurs langages spécifiques me permettent de jouer avec et d'adapter les ensembles dans l'espace. Les oppositions sont faites de légères et de lourdes, de délicates et de brutes, matières de blanc et de noir. Le feu révèle leurs particuliers mélanges d'étanchéité, collapsus, déchirure. Comme la vie, avec sa succession de souvenirs et d'émotions, je porte sur le dialogue ".

Barbara Nanning Hollande
Dutch sculptor

Barbara Nanning a étudié à l'Académie Rietveld à partir de 1974-1979. Elle fait de la sculpture à grande échelle, y compris l'art public, de l'assemblage d'éléments en grès, travaillant sur une série qui repose sur un thème, par exemple «Hydra», «Botanica» ou «Galaxy». Nanning s'inspire du macro et du microcosme - les planètes, les étoiles, la vie des plantes et des molécules.
Elle utilise de la glaçure sur son travail, mais elle a mis au point une technique par laquelle les pigments de couleur peuvent être appliqués directement à l'oeuvre, ce qui donne un fini mat. Elle fait de la céramique, du verre et est bien connue pour ses sculptures monumentales.