Céramique d'Art : Chine, Corée, Inde, Taiwan, Thaïlande

Yanze Jiang Chine Céramiste chinoise

Yanze jiang chinoise est céramiste et enseignante. Elle est née dans la province de Jiang Su en 1975.
Yanze fonctionne uniquement avec de la porcelaine. La plupart de ses œuvres sont construites en dalle sculptures et fini avec de la glaçure céladon. Toute l'œuvre de Yanze, traditionnelle chinoise s'appuie sur des matériaux et des émaux, elle transcende la tradition pour faire du moderne, de l'abstrait ou du conceptuel. Plus récemment, elle a également été spécialiste de la cuisson enfumage.

Shao Ting-Ju Taiwan Céramiste taiwanais

"Être un participant dans cet univers, je me suis posé ces questions depuis mon plus jeune âge; Pourquoi étais-je né ? Pourquoi suis-je ici? Pour la même raison que je suis vivement intéressé à notre espèce, mon travail de la céramique a toujours utilisé la sculpture de figures humaines afin de refléter les concepts artistiques.
J'ai enregistré une forme unique pour explorer la souffrance et l'emprisonnement des âmes et des corps, ainsi que le désir de libérer l'esprit. En utilisant différentes combinaisons de figurines d'argile, j' éprouve la tension, l'hostilité et la dépendance des personnes au sein de la société, comme dans le cas de destruction ou de la relation harmonieuse entre l'homme et la nature. Élargissement des membres de l'homme est le modèle du projet, un gel de l'image enregistrée de l'environnement et de moi-même. Il s'agit d'un enregistrement continu de ma réalisation, de ma position dans cet univers, ce que j'ai touché et ce que j'ai vu. Récemment, j'ai été très intéressé par la destination des âmes et essayé d'explorer ce sujet.
Selon la bible, Dieu a créé l'image de l'homme de la terre. Chaque individu est unique et donc précieux. Mes oeuvres en céramique sont toutes faites main, qu'il s'agisse d'un individu, ou de centaines d'oiseaux, ou bien autre chose. Chaque pièce conserve sa propre spécificité même s'ils peuvent partager une similitude générale. J'ai choisi les fours à feu de bois chaque fois que possible, partout où je voyage. Pendant la cuisson, mon travail a été placé dans l'anagramme Noborigama ou de manière aléatoire, avec d'agréables surprises dans le résultat. Ceci reflète le fait que nous ne pouvons pas choisir notre sexe, la race ou la nationalité à l'avance quand nous sommes nés. Chaque élément est unique, ce qui constitue l'univers et la nature de notre existence.
Au cours des dernières années, les gens ont abusé des ressources dans ce monde. Beaucoup de dommages ont été faits à la nature, et ont donné lieu à un grand nombre de catastrophes de grande ampleur. Ceci est un avertissement signalé par Mère Nature pour nous. Pour cette raison, l'exposition à Kyoto, au Japon, en 2002, était destinée à être le reflet de la relation entre la nature et nous, avec des oiseaux, représentant Mère Nature.
Pour les 18 dernières années, les figurines d'argile sont toujours avec une petite tête avec un corps gras. Les orteils en saillie par en dessous. Ceci est un reflet de l'avidité dans ce monde pollué, les gens ont perdu leur innocence, et tous les efforts ont été utilisés pour obtenir de petits avantages. La taille de la tête est devenue relativement faible dans cette disproportion de l'énergie. Pourtant, les orteils sont un reste de la vraie nature de nous-mêmes, celle qui ne peut pas être cachée et devrait être remis en avant.
L'utilisation du multimédia est aussi un reflet de l'opposition entre la matière et la substance du concept de temps, tout comme l'existence physique et le temps d'existence de la vie sur terre. La dernière disparition du corps physique reflète le fait que, un jour, de la céramique ou du modèle d'oiseaux, ils peuvent également être brisé. L'utilisation de fer et de bois indique l'éternité du temps. L'utilisation des plumes, ce qui pourrait représenter la plume sur le dos des anges, ou le peu d'ailes sur les angles, à son tour, s'appuie sur la représentation symbolique de notre foi dans la confiance, l'espoir et l'aspiration. Bien qu'il y ait quelque chose dans cet univers qui ne tient pas sur une forme physique, notre foi demeure l'aspiration qui vise à maintenir un équilibre avec l'univers.
Le titre de l'oeuvre constitue également un important élément poétique, elle est en elle-même comme un poème narratif, révélant la profondeur dans le sens de l'art de la céramique."

Yon Shik Bae Corée Poterie traditionnelle

Yon Shik Bae est une potière traditionnelle de Maseok, de la Corée du Sud. Sa poterie est de la région du Nord de la Corée. Toutes ses oeuvres sont soit en biscuit ou seulement avec un glacis et sont cuites à 1300° C. Le four, qui est appelé un Salgama, est utilisé pendant 5 jours/120 heures. Grâce aux 15 kg de sel jetés dans le four lors de la cuisson, une surface brillante apparaît. M. Bae est le fils de Bae Vous Sup qui est un potier de la 3ème génération, il est considéré comme un «trésor national vivant». Vous sup Bae construit un Gilgama pour la NCECA Portland 1988 et figure à la page 54-55 de Frederick Olsen " le livre des fours ".

Vipoo Srivilasa Thaïlande - Thai céramiste résident en Australie

Photo 1 : Branches entrecroisées de corail flottant librement qui affichent de chatoyantes et étranges merveilles de la mer, ainsi que la flore en fleur. Pourtant, en dépit de leurs allusions figuratives, Srivilasa évite le faux naturalisme. Au contraire, il invente un nouveau langage formel; hybride et stylisé, une esthétique produite par la combinaison de références culturelles et naturelles dans une sphère imaginaire: un sous-domaine de la magie et de la fantaisie.

Photo 2 : Dessin sélectif sur l'histoire contemporaine, de motifs thaï et européen, Srivilasa intelligemment réinterprète et construit des éléments disparates de manière transparente.

Nous percevons dans ses oeuvres l'excitation dans l'exploration des possibilités narratives de la céramique,un mode qui a beaucoup de précurseurs mais qui est parfois ignoré par les praticiens. Des passages descriptifs de la vie quotidienne se manifestent tout au long de la longue histoire de la peinture sur céramique et c'est à ce contexte que nous devons ce travail. Il est un bon conteur, varié et flamboyant. Il a un style libre, et non didactique qui est plus révélateur que toute l'analyse la plus théorique de la culture contemporaine. Ces pots forment un catalogue de minuties, le type d'informations qui seront précieuses pour un archéologue du travail pour retrouver le passé dans certaines des futures recherches.
Comment pouvons-nous interpréter autant d'images concurrentes ? Un moyen est de respecter les divisions qui séparent chaque segment peint. Nous ne visons pas à résoudre son récit dans un cadre soigné, tout harmonieux. Au contraire, nous sommes amenés à sentir, inconfortablement par moments, la difficulté de donner un sens à son histoire. En outre, les barricades d'images sont chacune protégées contre les influences des images qui se menacent les unes des autres. Iconographie bouddhique avec des emblèmes de la culture australienne. Des Mannequins côtoient des squelettes et des organes vitaux.
Les biens de consommation sont comparés à d'intemporels motifs de l'art thaï. Chaque motif est offert sans discernement et sans une structure hiérarchique. La confusion règne, mais même dans cette idée, nous pensons qu'il nous donne un enregistrement fidèle d'un monde imparfait, inquiétant et sans cesse d'un monde variable.
Des ironies historiques abondent dans ce travail aussi. Au dix-septième siècle, l'art de l'Asie de l'Est a été une révélation pour les riches connaisseurs de l'Europe. Lorsque les caisses de porcelaine importées ont été déballées dans les entrepôts de Londres et d'Amsterdam, une manie de la collection qui mit au point le bleu et le blanc des vases composés de leurs visions sur les montagnes, de rêve qui reposait au milieu d'érudits et d'un exquis rendu de la nature. Ces vases ne cessent de rappeler cette célèbre influence dans la céramique. Même si au XVIIè siècle les routes commerciales n'existent plus, l'art de la porcelaine bleue et blanche continue de servir l'échange entre les cultures.

Madhvi Subrahmanian Indes Indian studio potter

" La plupart de mes travaux dans l'argile sont construits par superposition de bobine, avec la forme en spirale vers le haut dans un rythme qui est calme et lent, mais pas trop différent du tour de potier. La marque de la main et les trous laissés par les bobines de superposition laissent une trace sur la peau du pot et lui donne une texture. Les formes que je suis obligé de faire à maintes reprises explorent la sculpture et gravitent autour du thème du conteneur - celui qui détient, protège et nourrit. Le conteneur oRen transforme en un gouffre, une semence, un coquillage et des silences, trouve sa maison dans des assiettes et de larges bols. À d'autres moments, la graine se manifeste à la surface par le biais d'yeux brillants et luisants comme inscrit dans la juste coupe de fruits. Je travaille à la surface, je glisse sur la couche le glacis et le cuit plusieurs fois. Chaque morceau tente vers la réalisation, comme l'effet du temps que l'on retrouve souvent sur les paysages érodés ".